Os 12 princípios da animação de Walt Disney

Acredito que ninguém estuda animação nos dias de hoje sem estudar Walt Disney, principalmente graças aos 12 princípios da animação, que definiram a base da movimentação e da ilusão de ótica dos desenhos animados ocidentais e orientais, 2D, 3D e até mesmo stop motion.

Eles são: 1. Comprimir e esticar – Squash and Stretch; 2. Antecipação – Anticipation; 3. Encenação – Staging; 4. Animação direta e posição-chave – Straight Ahead Action and Pose to Pose; 5. Continuidade e sobreposição da ação – Overlapping Action and Follow Through; 6. Aceleração e desaceleração – Slow In and Slow Out; 7. Movimento em arco – Arcs; 8. Ação Secundária – Secondary Actions; 9. Temporização – Timing; 10. Exagero – Exaggeration; 11. Desenho volumétrico – Solid Drawing; 12 Apelo – Apeal.

1. Comprimir e esticar

Todo ser vivo demonstra mudanças notáveis na sua forma durante qualquer movimento, desde expressões faciais através dos olhos, bochechas e lábios durante a fala, até deformidades de proporção na mão durante um soco ou uma bola ao ser atingida por um chute ou um taco e mudar de direção – por mais que a realidade seja abstraída no processo.

2. Antecipação

Para a plateia compreender melhor a cena e para dar ênfase à ação, é importante que os personagens anunciem seus movimentos antecipadamente, como um agachamento antes do salto ou uma contração de braços e ombros antes de se espreguiçar.

3. Encenação

Tal qual os atores ficam em destaque no teatro ou no cinema para valorizar uma cena, os personagens de uma animação precisam estar mais chamativos do que o restante do cenário e dos demais personagens e estar em um bom ângulo para que suas ações sejam realçadas e esclarecidas.

4. Animação direta e posição-chave

Animação direta é um método de ilustrar ações uma após a outra quadro a quadro, atribuindo maior espontaneidade na cena, mais utilizado para movimentos rápidos e/ou inesperados. Posição-chave, por sua vez, é um método de ilustrar ações de forma planejada, com o começo, o fim e os devidos intervalos da ação calculados com maior precisão.

5. Continuidade e sobreposição da ação

Nenhum personagem ou objeto interrompe todo o seu movimento de uma vez só, de forma que elementos diferentes levarão um tempo diferente para estagnarem, como pernas, braços e cabelos de uma pessoa ou as orelhas e a cauda de um animal.

6. Aceleração e desaceleração

O animador define os intervalos de uma ação e gera o efeito visual de aceleração ou desaceleração, dando fluidez aos movimentos.

7. Movimento em arco

Para suavizar a animação, o artista delineia as posições dos extremos e dos intervalos de uma trajetória circular a fim de evitar ações rígidas e mecânicas, como movimentos retilíneos e precisos demais – o que seria antinatural. Por exemplo, braços e pernas durante uma caminhada ou uma bola durante um arremesso.

8. Ação secundária

Para fortalecer a ação principal, ações menores e subordinadas à principal são desenhadas em conjunto, como o balançar de cabelos e/ou roupas, um piscar de olhos e a respiração dos personagens.

9. Temporização

Para realçar ações e até mesmo o caráter e o humor dos personagens, é fundamental explorar diferentes variações de velocidade em seus movimentos. Usando um carro como exemplo, a forma como ele sai da inércia e acelera, como faz curvas ou como estaciona vão definir a cena como uma corrida, um passeio, uma perseguição ou etc mais do que quantos minutos a cena realmente vai durar.

10. Exagero

No teatro clássico, usava-se máscaras para que até mesmo os espectadores mais distantes do palco compreendessem os personagens. Numa animação, é necessário exagerar as expressões e movimentos como em caricaturas a fim de comunicar os sentimentos e o clima da cena. Dessa forma, um sorriso pode ficar desproporcional ou um olho pode arregalar demais.

11. Desenho volumétrico

Uma animação não pode descartar os princípios da ilustração tridimensional – peso, profundidade e equilíbrio – tanto quanto deve evitar que cada parte do corpo do seu personagem seja idêntica à sua correspondente, como olhos, mãos, pernas etc.

12. Apelo

Além de todas as técnicas de animação, os personagens devem ser carismáticos e comunicativos e cada um deve ter um design próprio e interessante para cativar a plateia.